chavirages...

alien resurrection (suite)

2012-01-26T08:00:00.000+01:00

Et puis l'équipage du Betty débarque sur la station Auriga et les choses s'emballlent. Primo, parce que la bande de contrebandiers dirigées par le très détendu Elgyn (Michael Wincott) vient faire du commerce avec les militaires, en l'occurrence des corps pour être inséminés par les Aliens ; mais aussi parce qu'outre Christie (un Gary Dourdan à dreads pre-CIS), Johner (excellent Ron Perlman, comme toujours) et Hillard (Kim Flowers), il y a une nouvelle, Call (Winona Ryder) qui est en fait un synthétique venu là pour tuer le clone de Ripley et empêcher l'éclosion de la Reine ! Je n'oublie pas non plus le mécano en fauteuil roulant joué par l'inattendu (dans ce genre de film) Dominique Pinon qui s'en tire pourtant très bien.

Deux scènes que j'adore et une que je ne comprends toujours pas : la séquence sous-marien dans son entier, et en particulier le gros plan sur Hillard qui pressent qu'elle ne va pas s'en tirer ; celle où Vriess monte son arme à partir d'éléments dissimulés dans son fauteuil. En revanche, faudra qu'on m'explique pourquoi Elgyn, pourtant armé de deux fusils d'assaut, laisse sa bande pour aller ramasser dans un couloir vide davantage d'armes, tombant ainsi dans un piège grossier. ...

ps : formidable prestation aussi de Leland Orser, un de mes seconds couteaux préférés du cinéma d'action.

alien resurrection

2012-01-25T08:00:00.000+01:00

En 1996, allez savoir pourquoi, on demande à Jean-Pierre Jeunet d'aller aux Etats-Unis pour y réaliser ALIEN RESURRECTION, le quatrième opus d'une franchise qu'on croyait éteinte dans un des hauts fourneaux de Fury 161. C'est d'autant plus étonnant que le jeune Français ne pipe pas un mot d'anglo-américain, qu'il impose une partie de sa bande (Darius Khondji, Titoff, Dominique Pinon...) et qu'il accepte d'adapter un scénario pour le moins tarabiscoté écrit par le non moins aussi jeune Joss Whedon.

Nous voici donc sur le vaisseau-base militaire Auriga, perdu quelque part aux limites du système connu, où des scientifiques diririgés par le Dr Gediman (le génial Brad Dourif) font de drôles d'expériences pour le bénéfice du général Pérez (formidable Dan Hedaya). A partir de l'ADN d'Helen Ripley récupérée sur Fury 161, deux cents ans plus tôt (!!!) ils ont réussi, enfin, après sept échecs, à créer un clone capable d'arriver à mâturité et, donc, de pouvoir en extraire la Reine alien que portait Ripley avant de se suicider. A la demande de Gediman, le porteur est conservé en vie pour observation. Mais elle n'est plus vraiment humaine en raison des mutations génétiques et partagent désormais l'instinct, la force, voire une partie de la dangerosité de son sang, avec les Aliens ! Elle, bien sûr, c'est encore et toujours Sigourney Weaver, étonnante de sauvagerie et de bestialité, jouant l'inhumanité avec une sourire narquois. Son attitude ambivalente, en particulier lors de la scène sous-marine où elle observe un alien dévorer un humain sans réagir, rend le film curieux même si la fin est ratée.

ps : aviez-vous reconnu ce soldat ? C'est Raymond Cruz qui depuis a accédé à une autre notoriété en tant que flic dans la série The Closer.
pps : alors que l'ordinateur du Nostromo s'apppelait Mother, celui de l'Auriga s'appelle Father !

alien 3

2012-01-24T08:00:00.000+01:00

Première réalisation de David Fincher sur un scénario de David Giler, Walter Hill et Larry Ferguson, ALIEN 3 aurait dû être l'épitaphe de l'histoire de Ripley, la fin d'une trilogie baroque. Mais il y eut un quatrième épisode, on en reparlera. Sinon, deux points communs attirent l'attention (j'dis deux mais il y en a tellement...) : comme chez Scott, c'est le grand Terry Rawlings qui se recolle au montage, ce qui nous donne, par exemple, ce générique saccadé et angoissant, ; mais aussi la course-poursuite finale haletante. Deuxième point commun, le chien, par qui "tout" arrive ! Dix ans après THE THING de Carpenter, la créature se choisit d'abord un animal. Vous allez me dire : quel rapport avec la trilogie ? Eh bien dans son commentaire pour l'édition dvd d'ALIEN, le père Scott laisse fortement entendre que, dans son esprit, on pouvait tout à fait suspecter le chat, Jonesy, d'avoir été infecté par un alien. S'il n'y a avait pas eu de suite et que c'était le cas, Jonesy aurait donc ramené la créature sur Terre...

Bon allez, je ne vais pas m'étendre sauf pour dire qu'avec la mort, le sacrifice de Ripley, et le rappel, à la fin, du message clôturant ALIEN, on bouclait bien la boucle. La performance de Sigourney Weaver est de bout en bout formidable et émouvante, et c'est avec un petit pincement qu'on retrouve aussi feu Pete Postlethwaite qui nous a quitté depuis.

Et puis il y aura toujours cette réplique de Ripley, alors qu'elle cherche à se faire tuer par l'alien : "Don't be afraid, I'm part of the family now...." qui en fait, anticipe tout de même le futur épisode.

aliens (suite)

2012-01-23T08:00:00.000+01:00

Le grand Lance Henriksen dans, selon moi, son meilleur rôle, celui de l'homme-artificiel Bishop qui sauve Newt alors qu'il n'est plus qu'un torse et a la meilleure réplique finale : "Not bad for a human..."

Michael Biehn, le caporal Dwayne Hicks, est un des meilleurs soldats de Cameron, un de ceux sur lesquels il peut s'appuyer et construire ses films, comme dans TERMINATOR, mais aussi plus tard, en plongeur fou dans THE ABYSS...

Jenette Goldstein est la private Vasquez, la latina badass qui a une des meilleures répliques au moment de mourir en compagnie de son lieutenant : "You always were an asshole, Gorman !"

Mon préféré, bien sur, parce qu'il jure, se plaint, râle, et se la raconte, c'est le private Hudson, joué par l'indispensable Bill Paxton passé depuis à la réalisation lui aussi...

La première survivante trouvée par les Marines, juste avant qu'elle ne meure, et oui, c'est un film d'horreur.

Le gadget du film avec son son anxiogène qui annonce les soucis : ils sont dans le faux-plafond !

L'excellent scène du couteau, très bonne trouvaille de Cameron pour introduire les personnages d'Hudson et de Bishop, inégalée.

bonus : la meilleure réplique du film est bien sûr celle de Ripley : "Get away from her, you bitch "

aliens

2012-01-22T08:00:00.000+01:00

Cinquante-sept ans après avoir fait pêter le Nostromo, Helen Ripley est finalement récupérée et ramenée sur Terre pour y rendre des comptes (elle a fait perdre plein d'argent à sa boîte ), découvrir qu'elle est obsolète et que sa fille de onze est morte parce qu'elle venait d'en avoir soixante-six. Dur. Heureusement qu'elle a Jonesy, ce damné rouquin de matou qui a survécu au film de Ridley Scott.

Mais il y a les cauchemars où elle rêve qu'un alien sort de sa poitrine en la déchirant et le fait que la colonie LV-426, nom du caillou sur lequel s'était posé le Nostromo, et qui depuis était occupé par soixante famille de colons chargés de le coloniser, ne répond plus. Ripley accepte de servir de conseiller technique à une escouade de Marines de l'USCM chargée d'aller faire là-bas le ménage. Petit hic, elle embarque aussi un jeune cadre de la boîte de Ripley...

Là-bas, une fois les rodomontades et l'ignorance propre aux militaires ayant entraîné la décimation de l'escouade, il ne reste qu'une poignée de Marines, Ripley et la seule survivante non infestée, la jeune Newt (Carrie Henn, qui est institutrice aujourd'hui), pour affronter une horde d'aliens et leur Reine. Le summum est atteint lorsque Ripley se transforme en machine de guerre pour aller délivrer Newt tandis que la musique de James Horner nous fouette l'adrénaline. Un classique, tudieu !

ALIENS a été écrit et réalisé par James Cameron en 1985 juste après TERMINATOR.

alien (suite)

2012-01-21T08:00:00.000+01:00

L'équipage du Nostromo, le vaisseau minier 180924609 de la Weyland-Wutani (de g. à d.) : Ash, l'officier scientifique (Ian Holm), Kane (John Hurt), son capitaine, Dallas (Tom Skerritt)...

... mais aussi ses techniciens d'entretien, Brett (Harry Dean Stanton) et Parker (Yaphet Kotto)...

... sans oublier Lambert (Veronica Cartwright)....

... ni bien sûr Ripley (Sigourney Weaver).

alien

2012-01-20T08:00:00.000+01:00

Quelques images emblématiques du superbe et inégalé ALIEN réalisé en 1978 par Ridley Scott sur un scénario de Dan O'Bannon. Je suis toujours stupéfait des talents de conteur cinématographique de Scott qui a toujours eu un don pour faire de la moindre histoire un conte cauchemardesque. Dire que ce n'était que son deuxième film, qu'il n'avait pas encore fait BLADE RUNNER, et qu'il avait osé se lancer dans une aventure en partie imaginée par un Suisse barjo (Giger) sur des illustrations de types connus des seuls geeks (Jean Giraud et Chris Foss), me fascine toujours autant quand je vois le résultat et comment le film a finalement bien vieilli. C'est même un plaisir extrême que de le revoir avec le commentaire du père Ridley qui, contrairement à ce cuistre de Spielberg qui refuse d'en faire, se prête volontiers à l'exercice avec la gourmandise et la jouissance d'un type qui aime ce qu'il fait et s'éclate à en parler (commencez par revoir, ainsi, THE DUELLISTS et vous comprendrez).

Et puis il y aura toujours la composition de Jerry Goldsmith, l'une de mes préférées...

l'homme qui en savait trop (suite)

2012-01-19T08:00:00.000+01:00

l'homme qui en savait trop

2012-01-18T08:00:00.000+01:00

THE MAN WHO KNEW TOO MUCH est réalisé en 1955 par Alfred Hitchcock sur un scénario de John Michael Hayes. Il avait déjà filmé cette histoire sous le même titre en 1934. C'est en quelque sorte un retour aux sources puisque la majeure partie du film se déroule à Londres. C'est aussi un récit curieux dans lequel on découvre que ce couple américain banal dissimule des fragilités inattendues du côté (sacré Hitch !) de la femme blonde que son mari doit calmer avec des sédatifs avant de lui annoncer l'enlèvement de son fils. On devine une histoire tournant autour de l'abus de médicaments qui donne une toute autre signification au comportement enjoué et suspicieux de celle-ci. A côté d'elle, son mari, quasi imperturbable (sauf quand il est sur le point d'exploser) est assez angoissant. La scène où la femme, à l'opéra, est tétanisée par l'impuissance et en pleure est bouleversante. Bien plus qu'un grand film de suspense et de course-poursuite avec James Stewart et Doris Day, il s'agit d'un film neurotique mettant en lumière les affres d'un couple d'Américains loin de leurs repères rassurants et se débattant avec leurs névroses. Etonnant.

tron (suite)

2012-01-17T08:00:00.000+01:00

La patte de Jean 'Moebius' Giraud est très nette dans le design des costumes, en particulier ceux de Sark et de dumont. La trouvaille, nécessaire pour l'époque vu l'état des effets spéciaux, de filmer les acteurs en noir et blanc, donne à leurs visages une qualité expressionniste étonnante, surtout dans les gros plans sur les regards. Elle procure aussi un heureux décalage entre la réalité et la fiction de la machine. Raisons rendues inutiles par les progrès et qui font que j'ai, moins que jamais envie de voir la suite qui a été produite...

tron

2012-01-16T08:00:00.000+01:00

Le jeune Bruce Boxleitner interprète Alan, le programmeur courageux de chez Encom qui se heurte à sa direction. Il est le créateur d'un programme indépendant nommé Tron.

David Warner est Ed Dillinger (nom d'un fameux truand par ailleurs) qui a piqué les brevets de jeux de Flynn et est devenu le patron tout puisssant d'Encom. Mais cette puissance repose en fait sur un pacte faustien avec le MCP, une intelligence artificielle qui veut contrôler tous les programmes informatiques.

Flynn est un petit génie qui vivote en tenant un salon de jeux d'arcade et qu'Alan et Lori vont venir chercher pour pénétrer dans le système d'Encom et neutraliser le MCP. Il est joué par un Jeff Bridges juvénile et plein d'entrain maladroit.

Lori, c'est Cindy Morgan, la blonde geek de service (elle a des grosses lunettes) et elle joue surtout (l'époque ?) les utilités. On la préfèrera en Yori, sans cheveux...

Le clin d'oeil geek : l'inscription sur le panneau est l'incantation qui active le robot Gort dans THE DAY THE EARTH STOOD STILL de 1951.

La digitilisation de Flynn par le MCP qui annonçait déjà non seulement THE MATRIX !

ps : film indispensable à voir ou à revoir, ne serait-ce que pour son efficacité, sa beauté (si ! si !), sa musique, et le fait de voir réunis dans le même film deux futurs interprètes de Babylon 5, Boxleitner et Peter Jurassik !

un frisson dans la nuit

2012-01-15T08:00:00.000+01:00

PLAY MISTY FOR ME est la première réalisation de Clint Eastwood d'après un scénario de Jo Heims et de Dean Riesner. C'était aussi la première fois en 1970 qu'un film montrait la folie d'une femme dérangée harcelant un homme avec autant d'acharnement et de malice, ce qui ne fait un classique qui a très bien vieilli et qui fait froid dans le dos.

C'est son ami réalisateur Don Siegel qui lui mit le pied à l'étrier et qui accepta même de faire un brin de figuration en interprétant Murphy, le barman de la Sardine Factory.

Pour interpréter la cinglée qui n'en a pas l'air Eastwood fit appel à Jessica Walter dont la performance est très réussie même si son rôle l'oblige à flirter avec le cabotinage et d'en faire trop, ce qu'elle ne fait pas. La manière qu'elle a de passer du calme à la folie, en quelques secondes, est saisissant.

Pour jouer Tobie, il engagea la jeune Donna Mills et il eut là aussi bien raison !

Un exemple de la folie saccageuse d'Evelyn : la maison de Dave telle que découverte par Birdie.

Un exemple de moment de paix et de sensualité bucolique qui permet au spectateur de respirer tout en se disant que ça va recommencer et qu'il n'en a pas fini avec cette folasse d'Evelyn...

L'extrait d'Annabel Lee, le poème d'Edgar Allan Poe qui met la puce à l'oreille de Dave...

ps : le film, tourné à Carmel en Californie, est aussi un film sur le jazz, la grande passion de Clint Eastwood. D'où, bien sûr, le fait qu'il passe des disques de jazz à la radio, que sa femme de ménage s'appelle Birdie (The Bird était le surnom de Charlie Parker), d'où le passage quasi-documentaire au festival de jazz de Monterey et d'où, last but not least, le choix de Misty d'Errol Garner comme leitmotiv entêtant et hitchcockien au film.

rencontres du troisième type (fin)

2012-01-14T08:00:00.000+01:00

"What's happening ?

– Je ne sais pas mais c'est beau."

"Bye !"

rencontres du troisième type (4)

2012-01-13T08:00:00.000+01:00

rencontres du troisième type (3)

2012-01-12T08:00:00.000+01:00

rencontres du troisième type (2)

2012-01-11T08:00:00.000+01:00

rencontres du troisième type (1)

2012-01-10T08:00:00.000+01:00

L'une des trouvailles les plus formidables de Spielberg est d'avoir fait appel à François Truffaut pour incarner Claude Lacombe. Que le jeune cinéaste étatsunien ait pensé au réalisateur de la Nouvelle Vague pour jouer dans un tel film et que Truffaut ait accepté de jouer sous la direction d'un quasi novice est encore un exploit qui tient du miracle. Et puis, bien sûr, c'est une raison supplémentaire (s'il en fallait) de voir le film en version originale pour apprécier le travail de Bob Balaban en interprète forcé et, surtout, le terrible accent anglais de Truffaut : "They belong here more than we are !"

rencontres du troisième type

2012-01-09T08:00:00.000+01:00

Ecrit et réalisé en 1977, CLOSE ENCOUNTERS OF THE THIRD KIND est le troisième film de Steven Spielberg après SUGARLAND EXPRESS et JAWS. C'est d'ailleurs l'énorme succès de ce dernier qui permit au jeune cinéaste de se lancer dans un tel projet. Après toutes ces années je n'en reviens toujours pas qu'un type comme lui ait réussi à persuader des producteurs et un studio de le soutenir pour filmer une pareille histoire ! Le film est donc un "événement sociologique" comme le dit Lacombe, à savoir consacré au phénomène des objets volants non identifiés qui était plutôt en vogue dans les années 70, et de raconter comment l'Armée, les scientifiques et les gouvernements se coalisent pour monter une opération de désinformation pour pouvoir mettre en place ce premier vrai contact au lieu de rendez-vous indiqué par les extra-terrestres.

Mais c'est aussi, comme tous les films de Spielberg, un film sur la famille et ses problèmes.

On a ainsi la famille Neary qui se décompose progressivement au fur et à mesure que la vision implantée par les extra-terrestres dans la tête de Roy (Richard Dreyfuss) lors du blackout le rend de plus en plus associable et pathologiquement obsédé par une forme géologique qu'il ne connaît pas mais qu'il ne peut s'empêcher de vouloir reconstruire. La désagrégation de son couple est totale quand, sa femme (Teri Garr, formidable) partie avec leurs enfants, Roy part dans le Wyoming pour atteindre le site de Devil's Tower et pour, au final, se porter volontaire pour partir avec le vaisseau-mère. Curieusement, un effet de l'âge et d'une vie de famille harmonieuse, Spielberg aurait déclaré que si c'était à refaire, il n'aurait pas laissé partir Neary, ie abandonner sa famille.

Mais on a aussi le cas Guiler, la famille monoparentale (l'un des journalistes lancera plus tard, "Et où est le père ?") composée de Julian (Melinda Dillon) et de son jeune fils de trois ans et demi (le prodifgieux Cary Guffey) qui se retrouve coupée en deux suite à l'enlèvement de l'enfant par les extra-terrestres ("Toys ! Toys !"). Julian suivra Roy jusqu'au bout dans l'espoir de retrouver son fils et y parviendra.

fort apache (fin)

2012-01-08T08:00:00.000+01:00

fort apache (encore)

2012-01-07T08:00:00.000+01:00

fort apache (suite)

2012-01-06T08:00:00.000+01:00

changement de masque

2012-01-05T09:56:00.000+01:00

Dernièrement je m'étais remis à mal dormir, me réveillant toutes les deux heures, la gorge et la bouche déshydratées. J'avais pris l'habitude de garder un grand verre d'eau sur ma table de nuit et d'en boire une gorgée. Résultat, je m'étais aussi remis à faire des insomnies que, fort heureusement, je distrayais en lisant (Le sang des farines de Jean-François Parot, la dernière aventure publiée en 10/18 de Nicolas Le Floch). Mais cela ne pouvait pas durer car malencontreusement pour moi, je m'étais aussi réhabitué, ces derniers mois, à cet étrange concept de sommeil réparateur que l'utilisation d'un appareil d'aide respiratoire m'avait aidé à retrouver. J'ai donc recontacté l'entreprise qui me procure (aux frais de l'assurance maladie, quel bonheur) ce matériel pour qu'on convienne d'un moyen de résoudre mon problème que l'adjonction, avant les vacances, d'un dispositif d'humidificateur de l'air n'avait pas forclos. Or donc, hier après-midi, le fringant (il monte les escaliers à coups de trois marches en souriant) technicien est passé et m'a expliqué le fonctionnement du nouveau masque qui, au lieu de se contenter de recouvrer le nez, englobe aussi la bouche. Ainsi, m'a-t-il assuré, pas de fuite d'air, donc pas de décompression, donc pas de souci. Mouais. Même si je me suis réveillé moins souvent j'ai tout de même l'impression d'avoir passé ma nuit à batailler avec ce fichu masque, enchaînant contorsions du visage et autres grimaces, sans oublier quelques retouches manuelles, pour l'obliger à rester en place et éviter ces fuites d'air que j'entendais et qui m'évoquaient des bavardages d'élèves. Du coup, de guerre lasse, je l'ai retiré vers cinq heures moins dix, et j'ai fini ma nuit sans son aide. Je recommencerai ce soir, ça pourra pas être pire !

ps : temps bretonnant ce matin (vent tempêtueux et crachin serré) mais je suis sorti pour m'aérer et acheter le nouveau numéro de XXI : youpi !

fort apache

2012-01-05T08:00:00.000+01:00

FORT APACHE (Le massacre de Fort Apache) est réalisé en 1948 par John Ford d'après un scénario de Franks S. Nugent. Le film fut produit par la maison de production de Ford et Cooper. C'est le premier de la fameuse trilogie consacrée à la cavalerie américaine qui fut suivi de SHE WORE A YELLOW RIBBON et RIO GRANDE.

Western classique magnifié par un décor naturel splendide qui deviendra la marque de fabrique de Ford et le stéréotype du western, FORT APACHE est en fait un film anti-guerre même s'il semble donner l'impression inverse. De fait, la méprise vient de ce que Ford a voulu filmer l'univers d'un poste de cavalerie, ses traditions, l'importance de ses sous-officiers, ses règles, en particulier de courtoisie, bien plus que l'affrontement cavalerie/indiens. D'autant que les apaches (qui parlent espagnol, c'est troublant mais sont en fait joués par les Navajos issus de la réserve sur laquelle le film fut tourné), sont les plus vertueux car ils donnent foi à la parole de York (John Wayne), quand l'arrogant Thursday (Henry Fonda), les méprise et veut juste les mâter et se faire une réputation.

Et donc, si Thursday est une incarnation de Custer qui agit follement, au mépris des conseils de ses officiers, meurt en héros pour la gloire du régiment qui, en définitive demeure le seul enjeu du film.

la prisonnière du désert (fin)

2012-01-04T08:00:00.000+01:00

Et plus je (re)découvre les westerns de Ford avec John Wayne, et plus je suis amené à revoir ma position ancienne au sujet de l'acteur de GREEN BERETS qui, donc, quand il était dirigé par son ami borgne, était tout simplement génial.

la prisonnière du désert (suite)

2012-01-03T08:00:00.000+01:00

Henry Brandon, qui joue le chef Cicatriz, était en fait d'origine allemande et était né Heinrich von Kleinbach ! Natalie Wood qui joue Debbie à 15 ans en avait en fait 21 à l'époque du tournage.

la prisonnière du désert

2012-01-02T08:00:00.000+01:00

THE SEARCHERS est réalisé en 1956 par John Ford sur un scénario de Frank S. Nugent. C'est un classique du western au sens où il est la synthèse, en quelque sorte, de tous les films de Ford, de ses opinions au sujet des Indiens et des colons, de la manière dont ils coexistaient mais aussi s'affrontaient, du poids des inimitiés raciales (Ethan les hait car ils ont tué sa femme), de la solidarité familiale entre les Texicans mais aussi de la roublardise de certains, de la splendeur des paysage de la vallée de la Mort et de Monument Valley. Le seul reproche que l'on peut faire à Ford, comme à chaque fois, c'est de filmer les Navajos chez qui il allait tourner en les transformant, ici en Comanches après en avoir fait des Cheyennes. Mais outre le paysage somptueux et le tour de force du tournage pour l'époque, ce qui rend le film formidable ce sont ses comédiens, à commencer par John Wayne bien sûr mais je n'oublie pas Jeffrey Hunter qui joue Martin, le "demi-frère" coupable d'être un métis Cherokee, sans oublier la charmante Vera Miles dans le rôle de Laurie.

doomsday

2012-01-01T08:00:00.000+01:00

DOOMSDAY est le troisième film écrit et réalisé par Neil Marshall. Je dois reconnaître que mon côté trouilleux et claustrophobique m'a jusqu'ici empêché de voir son THE DESCENT mais je finirai bien par le voir tant je me régale à chaque fois de l'inventivité, de la créativité et de l'enthousiasme de ce réalisateur dont j'ai aussi beaucoup aimé son CENTURION. Or donc, DOOMSDAY est à nouveau un mélange des genres comme il se plait à en faire : film d'infectés, film de prison (les clins d'oeil à ESCAPE FROM NEW YORK sont nombreux), film post-apo (Glasgow version MAD MAX 2 et le reste de l'Ecosse version médiévale), film d'action/guerre, et j'en passe. On pourrait objecter qu'à trop vouloir tout traiter Marshall se perd en route mais je crois qu'il a surtout la volonté de distraire son spectateur et de lui en donner davantage. Merci Neil !

Alors on retrouve aussi une partie de l'équipe de DOG SOLDIERS, Emma Cleasby joue la mère d'Eden, Sean Pertwee ne s'en sort pas mieux, tout comme Chris Robson et Leslie Simpson ; seul Darren Morfitt s'en tire à la fin. On retrouve aussi quelques uns de mes acteurs anglais préférés tels que Bob Hopkins, Alexander Siddig ou encore l'excellent Adrian Lester qui joue le sergent Norton. Je n'oublie pas non plus les méchants de service, David O'Hara, Malcolm McDowell et Craig Conway même si ce dernier seulement arrive à être crédible grâce à son jeu exubérant. Et je découvre que c'est lui qui jouait le campeur au début de DOG SOLDIERS !

paris blues (suite)

2011-12-31T08:30:00.000+01:00

Un des grands mérites du film est de montrer deux personnages blanc et noir collaborant sur un même pied d'égalité, Bowen ayant besoin de l'assentiment et des conseils de Cook pour composer. Cette scène qui intervient après un mouvement de caméra somptueux partant des toits de Paris pour descendre dans la rue puis dans la cave marque déjà le fait que le film va concerner des musiciens de jazz sans être un musical.

Marie Seoul, la propriétaire du cabaret et maîtresse de Ram, est jouée par Barbara Laage.

C'est le grand Louis Arsmstrong qui n'hésite pas à se parodier en incarnant Wild Man Moore.

Une des cartes postales du film que j'aime bien car elle illustre un Paris qui n'existe plus vu que le couple mange une soupe à l'oignon dans un café des Halles...

Comme le fait remarquer François Guérif (ou Gilles Mouëllic ?) dans l'excellent documentaire qui accompagne l'édition dvd de Wild Side Video, on retrouve le couple blanc dans le lit de Bowen (ça reste prude cependant) alors qu'on ne voit jamais le couple noir à l'hôtel, comme si montrer leur sexualité était un trop grand tabou.

La fameuse scène de la dispute à propos de l'engagement où les deux comédiens sont excellents. Leurs positions se comprennent aisément. Je trouve qu'ils ont beaucoup de classe.

Un des exemples des magnifiques décors d'Alexandre Trauner...

paris blues

2011-12-31T08:00:00.000+01:00

PARIS BLUES est réalisé en 1961 par Martin Ritt sur un scénario de Walter Bernstein, Irene Kamp, Lulla Rosenfelfd et Jack Scher. Paul Newman y est Ram Bowen. Il était en fait doublé par Murray McEachern. Il avait déjà été dirigé par Ritt dans THE LONG, HOT SUMMER en 1958. Il retournera encore pour lui dans HUD (1963), THE OUTRAGE (1964) et HOMBRE (1967).

Sidney Poitier dans le rôle d'Eddie Cook, doublé par Paul Gonsalves. Il avait tourné avec Ritt dans son premier film, EDGE OF THE CTY en 1957.

Serge Reggiani est Michel 'Gypsy' Devigne, le clone tacite de Django Reinhardt qui a aussi la lourde tâche d'incarner le stéréotype du musicien drogué. Aucun chauvinisme de ma part mais je remarque que dès cette époque bien des jazzmen étatsuniens étaient drogués jusqu'aux yeux (à commencer par Charlie Parker) mais qu'on réserve le rôle au titi parisien...

Diahann Carol est Connie et Joanne Woodward est Lilian. Elles vont toutes les deux logiquement tomber amoureuse, respectivement, d'Eddie et de Ram. Le film propose tout de même deux moments d'incertitude raciale au début, pour bien montrer qu'on est à Paris : dans le train, quand Newman drague Carol puis dans la rue quand ce dernier lui reproche de ne pas vouloir le suivre. Cette question raciale reviendra de manière lancinante grâce au personnage de Connie qui est une militante des droits civiques. Pour l'anecdote, Diahann Carol joue encore et c'est elle qui incarne la sympathique hôtesse qui offre le logis et les vêtements au personnage de Neal dans White Collar.

les proies

2011-12-30T08:00:00.000+01:00

THE BEGUILED est réalisé en 1971 par Don Siegel sur un scénario de John B. Sherry et Grimes Grice. Difficile de le qualifier de western tant les codes en sont absents, ni même de film de guerre. C'est un film à part et qui s'inscrit pourtant dans une dynamique animée par Eastwood puisqu'auparavant Siegel l'avait dirigé dans TWO MULES FOR SISTER SARA et qu'il le redirigera encore, avec le poids que l'on sait, dans DIRTY HARRY. Mais le film vaut avant tout pour ce personnage de caporal nordiste blessé recueilli par une enfant qui ramasse des champignons (la très juste Pamelyn Ferdin) qui le ramène dans le pensionnat de jeunes filles sudistes où elle vit. Là, au fur et à mesure de sa convalescence, le caporal va jouer de son charme et du trouble qu'il inspire à plusieurs des pensionnaires, dont le professeur (Elizabeth Hartman) et la directrice (Geraldine Page) et la jeune émoustillée Carol (Jo Ann Harris) pour se rendre indispensable. Sauf que les choses ne vont pas aller comme prévu. Et au final, c'est le gynécée qui va décider de la mise à mort de l'intrus trop envahissant en s'attaquant à son pêché mignon, les champignons. C'est donc l'un des rares films de l'époque où Eastwood meurt avec la satisfaction du spectateur qui a appris à détester son personnage de vil séducteur, de menteur et de bonimenteur. Une expérience assez étrange mise en musique, évidemment, par Lalo Schifrin. A recommander.

dog soldiers

2011-12-29T08:00:00.000+01:00

Censément se passer en Ecosse, DOG SOLDIERS, le premier film écrit et réalisé par Neil Marshall en 2001 fut en fait tourné au Luxembourg. Si je le précise, ce n'est pas par cuistrerie mais pour illustrer le fait que ce film n'est jamais ce que l'on croit. Ce n'est pas un film de loup-garous mais un film de militaires aux prises avec des loup-garous.

En fait, c'est même plutôt le croisement entre l'ALIENS de James Cameron (la corporation qui envoie les Marines pour récupérer un spécimen d'alien à l'nsu de leur plein gré), THE USUALS SUSPECTS (avec Emma Cleasby dans le rôle de Keyser Sozé, c'est-à-dire du personnage donnant une version de l'histoire aux autres personnages) et, surtout, de ZULU de Cy Enfield (pour le côté petit groupe assiégé par une force supérieure). Et même si au final, c'est encore une dague en argent qui permet à Cooper de s'en sortir, le film est très jouissif dans cette manière qu'il a de montrer des soldats professionnels combattant des loup-garous apparemment invincibles mais avec une détermination so british qui force l'admiration.

De la bande, dont au moins quatre seront ensuite de l'aventure DOOMSDAY, j'en retiendrai au moins trois. Primo, il y a Sean Pertwee qui joue le sergent Wells qui se sacrifiera. La scène où il raconte l'anecdote du tatouage est entre autres une bonne illustration de son talent de comédien malheureusement trop souvent galvaudé par des choix de films discutables (je pense au catastrophique MUTANTS CHRONICLES).

Deuzio, il y a Liam Cunningham qui joue l'arrogant capitaine Ryan, revu depuis dans Outcasts et que l'on retrouvera en Ser Davos Seaworth dans la saison 2 de Game of Thrones.

Tertio, enfin, il y a Kevin McKidd, le private Cooper, que je croyais avoir découvert dans Rome et bien aimé dans Journeyman.

bonus : le plan de table qui aurait dû mettre la puce à l'oreille à Cooper, six serviettes mais cinq sur la photo encadrée : où est le sixième membre ?

la sanction

2011-12-28T08:00:00.000+01:00

THE EIGER SANCTION est réalisé en 1975 par Clint Eastwood sur un scénario d'Hal Dresner, Warren Murphy et Rod Whitaker. Eastwood y est Jonathan Hemlock, un professeur d'université qui a longtemps été un assassin pour une mystérieuse organisation dirigée par un albinos (Thayer David). Celui-ci lui demande de reprendre du service pour éliminer les assassins d'un ami, d'abord à Zurich puis au cours d'une ascension de l'Eiger. Cela oblige Hemlock à se remettre en forme dans le somptueux décor de Monument Valley, cornaqué par un ami d'escalade (George Kennedy) et sa fille (Brenda Venus). Entre temps il aura aussi rencontré la séduisante Jemima Brown (Vonetta McGee) et réglé son compte à un ancien ennemi (Jack Cassidy).

Curieusement, alors que le film fait presque deux heures, on ne découvre l'Eiger qu'au bout d'une bonne heure. Les séquences de Monument Valley sont à couper le souffle, tout comme celle des Alpes par ailleurs. Tout le suspense réside dans le fait que Hemlock ne connaît pas sa cible et doit la découvrir durant l'ascension ! C'est donc à la fois un film d'espionnage, d'action, de montagne, qui ne s'embarrasse pas des faux-semblants qui séviront dans les décennies suivantes. Et puis on y voit Eastwood faire l'amour à une noire et à une amérindienne, ce qui est un chouette plaidoyer interacial. Un bon petit film à redécouvrir.

ps : j'allais oublier que c'est aussi le seul Eastwood mis en musique par John Williams.

hanna

2011-12-27T08:00:00.000+01:00

"Music: A combination of sounds with a view

to beauty of form and expression of emotion".

HANNA a été réalisé en 2011 par Joe Wright sur un scénario de Seth Lochhead et David Farr.

Pour faire simple, c'est mon film préféré de l'année, une pure merveille d'action et de poésie, de rythme et de contemplation, illuminé par Saoirse Ronan, son héroïne et assombrie par sa méchante reine glaciale et mortelle interprétée par Cate Blanchett. Le tout est mis en musique par The Chemical Brothers, ce qui ne gâche rien.

contact (suite)

2011-12-26T08:30:00.000+01:00

Jake Busey dans le rôle du fanatique religieux qui fera capoter la première machine.

Le grand John Hurt dans le rôle de S. R. Hadden, le philantropiste paranoiaque...

Matthew MacConaughey est le révérend Joss, l'adversaire intellectuel et amant d'Ellie. Au fond, on peut aussi reconnaître Rob Lowe dans le rôle de Richard Rank.

James Woods, qu'on adore détester, en politicien rompu aux jeux du pouvoir.

contact

2011-12-26T08:00:00.000+01:00

L'excellent David Morse dans le rôle du père d'Ellie. Notez le dessin que l'on retrouvera sur Vega.

David Fichtner dans le rôle de Kent, l'un des acteurs les plus sous-estimés à mon sens, de sa génération.

Le toujours très bon Tom Skerritt, ici en animal ambitieux et politique qu'on déteste instinctivement.

La sublime Jodie Foster dans le rôle d'Ellie Arroway, sans elle le film n'existerait pas.

Thomas Garner et Max Martini. C'est étonnant de redécouvrir que Martini a débuté dans CONTACT.

CONTACT est réalisé en 1997 par Robert Zemeckis sur un scénario de James V. Hart et Michael Goldenberg d'après le roman de Carl Sagan à qui le film est dédié.

Je me souviens que c'était au collège que mon ami Frédéric m'avait initié aux mystères de Sagan dont la série Cosmos passait alors sur les écrans. Il avait chez lui un immense livre consacré à celle-ci et ne tarissait pas d'éloges au sujet du cosmologue qui avait élaboré le message envoyé avec la sonde Voyager.

Ce film fait partie de ma collection de madeleine cinématographiques et m'émeut chaque fois un peu plus.

Auguri !

2011-12-25T08:00:00.000+01:00

l'anglais

2011-12-24T10:24:00.000+01:00

THE LIMEY est réalisé en 1999 par Steven Soderbergh sur un scénario de Lem Dobbs. C'est un peu une anomalie dans la filmographie de Soderbergh car c'est moins un film de cinéaste qu'un film de directeur photo (Edward Lachman) et de monteuse (Sarah Flack), animé par des acteurs impeccables et mis en musique par Cliff Martinez. Un producteur de musique qui blanchit l'argent de la drogue (Peter Fonda) tue accidentellement sa jeune amante (Melissa George). Manque de bol pour lui le père de la jeune fille débarque à Los Angeles pour comprendre pourquoi elle est morte. Lui, c'est Wilson (Terence Stamp, prodigieux), qui vient à peine de sortir de neuf ans de prison pour attaque à main armée, un truand à l'ancienne, un Anglais brut de décoffrage. Sur place, Wilson va se faire aider d'un acolyte improbable, Eduardo (le génial Luiz Guzman) et une amie de sa fille (Lesley Ann Warren) avec qui, merci à Lem Dobbs, Wilson n'aura pas de relation intime artificielle de circonstance. On croise aussi un tueur stupide (Nicky Kaatt), un homme de main impitoyable (Barry Newman), une bimbo béate (Amelia Heinle), sans oublier Joe Dalessandro.

les cheyennes (fin)

2011-12-24T08:00:00.000+01:00

La cascade bluffante du film...

les cheyennes (4)

2011-12-23T08:00:00.000+01:00

L'épisode de Dodge City intervient comme une respiration, pour soulager la tension des spectateurs. On y retrouve Elizabeth Allen en entraîneuse susceptible, Judson Pratt en maire expansif, James Stewart en Wyatt Earp et Arthur Kennedy en Doc Holliday.

Caroll Baker avait joué avec Widmark, Malden et Stewart dans HOW THE WEST WAS WON en 1962. Elle joue ici l'indestructible institutrice quaker qui va connaître les souffrances des Cheyennes en les accompagnant dans leur marche. J'aime beaucoup ce geste tendre sur l'épaule.

les cheyennes (3)

2011-12-22T08:00:00.000+01:00

Le film montre toute une gamme de militaires, tous appartenant à l'US Cavalry, qui va du sergent poivrot polonais joué par Mike Mazurki, en passant par le major Braden interprété par George O'Brien, sans oublier l'intrépide lieutenant Scott qui veut tant tuer des indiens, joué par Patrick Wayne, le fils de son père, et qui changera d'avis au cours de la longue traque. Mais mes préférés sont deux modèles antinomiques, celui de l'humanité raisonnable incarné par Richard Widmark qui joue le capitaine Archer, et celui de l'obéissance aveugle du prussien capitaine Wessels interprété par Karl Malden. Le regard halluciné qu'il a en découvrant les victimes dues à la fuite des Cheyennes est un moment terrible.

Derniers mots : le journal parle de 29 soldats tués alors que ce n'était que 9, et la voix-off raconte que le chiffre grimpa jusqu'à 59. Lorsque le tavernier voit arriver la troupe menée par Archer il change son prix en le doulant !

les cheyennes (1)

2011-12-21T08:00:00.000+01:00

Les Cheyennes du film n'en sont pas et sont en fait, pour la plupart des navajos qui se moquent des blancs comme Hillerman le fit raconter par Jim Chee dans Les Clowns sacrés (Rivages/Noir n° 244) :

"Alors j'ai une idée. Tu te souviens que tu mas parlé de ce vieux film dans lequel des Navajos ont fait de la figuration, où ils étaient censés être des Cheyennes mais où ils parlaient navajo et disaient tout autre chose ? Celui qu'ils repassent toujours à ce cinéma en plein air de Gallup ? Un truc un peu vieillot, comme le Rocky Horror Picture Show ?

– Ouais, fit Chee. Les Cheyennes. Dans ma famille ils sont deux ou trois à y avoir fait de la figuration."

(page 144-145)

"Des scènes se succédaient durant lesquelles des Cheyennes à la mine grave répondaient à des questions sérieuses posées dans un navaja aux intonations graves. Quand le dialogue était retranscrit en anglais par le traducteur, les réponses avaient un sens plus grave encore. Mais elles provoquaient de nouvelles expressions joyeuses de chahut chez les spectateurs, et la question de Janet ou de Blizzard, souvent des deux : "Qu'est-ce qu'il a dit en réalité ?" Ce qu'il avait dit en réalité avait tendance à concerner la taille du pénis du colonel ou toute autre considération matérielle et humoristique sans rapport avec le film. Chee édulcorait peu ou replaçait les remarques humoristiques dans le contexte des coutumes et des tabous navaja, expliquant encore que les coups de klaxon glorificateurs n'avaient pour objet que de sanctionner l'apparition à l'écran de gens appartenant à la famille d'un spectateur."

(page 147)

les cheyennes

2011-12-20T08:00:00.000+01:00

Ce film est selon moi un des monuments de Ford, même si c'est difficile de distinguer un film parmi tant d'autres. Mais il me tient à coeur car c'est celui dans lequel le vieux borgne a un peu remis les pendules à l'heure, sur le tard, et montré qu'elle avait aussi été l'attitude du peuple, des politiciens voire d'une partie de l'Armée à l'égard des nations indiennes humiliées par leurs défaites et par les promesses non tenues.

CHEYENNE AUTUMN fut réalisé en 1964 sur un scénario de Mari Sandoz et de James R. Wenn d'après le roman d'Howard Fast. La musique est d'Alex North et l'image est de William H. Clothier.

Le tournage eut lieu dans l'Utah, dans l'Arches National Park et dans la réserve tribale navajo.

C'est un des ultimes films d'Edward G. Robinson (qui tournera encore huit ans et mourra peu après avoir fini SOYLENT GREEN), mais c'est important car son personnage incarne la moralité, l'éthique et l'intégrité d'un homme qui a su oublier sa carrière et avoir un geste envers les derniers Cheyennes. Il est la voix de Ford, et ce n'est pas pour rien qu'on le voit parler à ce portrait de Lincoln, l'un des présidents favoris de Ford.

starship troopers (fin)

2011-12-18T08:00:00.000+01:00

Tout comme dans ROBOCOP et dans TOTAL RECALL, l'importance disproportionnée et démagogique des médias est ici exacerbé de façon hystérique.

starship troopers (suite)

2011-12-17T08:00:00.000+01:00

Casper Van Diem, Neil Patrick Harris, Zoé Polédouris (qui chante Into It et I Have Not Been To Paradise lors du bal, c'est la fille du compositeur du film), Denise Richards, Jake Busey, Clancy Brown, Dina Meyer, Dean Norris (oui, celui de Breaking Bad), Brenda Strong, le grand Michael Ironside...

starship troopers

2011-12-16T08:00:00.000+01:00

STARSHIP TROOPERS est réalisé en 1997 par Paul Verhoeven sur un scénario d'Edward Neumeier (l'auteur de ROBOCOP) d'après le roman de Robert A. Heinlein. Le film arrive après le flop de SHOWGIRLS. Assez cynique, bien loin du patriotisme martial du livre d'Heinlein, le film est une réussite. Ironique, tenant en permanence son sujet à distance, Verhoeven nous plonge d'emblée dans le quotidien d'un trio d'amis que leur engagement militaire va éloigner et aussi rapprocher. La société que dépeint Verhoeven est glaçante car la citoyenneté ne s'y gagne qu'en s'engageant dans l'armée et les civils y sont méprisés. La Terre n'est plus qu'une immense cité spartiate dans laquelle on inculque très tôt les valeurs martiales. L'impression de supériorité intellectuelle, militaire et raciale est moquée par Verhoeven qui nous montre combien les Humains, par arrogance, sous-évaluent les capacités de leur ennemi et, du coup, se font laminer dès le premier vrai engagement. Toute ressemblance avec des situations passées (ou présentes) sont possibles mais je préfère me rappeler de La guerre éternelle, le roman antimilitariste de Joe Haldeman écrit en 1974 (J'ai Lu n°1769) et qui reçut les prix Huigo, Nebula et Locus en 1976

super 8 (fin)

2011-12-15T08:00:00.000+01:00

Cary interprété par Ryan Lee, l'inquiétant pyromane qui joue si bien les zombies et sera le seul à accompagner Joe jusqu'au bout de son périple pour sauver Alice.

Charles, joué par Riley Griffiths, l'alter ego d'Abrams, qui ne vit que pour son film et entraîne tous ses amis, même contre leur volonté dans son entreprise. Références affichées : Carpenter et Romero.

La talentueuse Elle Fanning dans le rôle d'Alice Dainard, la fille de l'homme à cause de qui la mère de Joe est morte. Elle accepte par jeu de jouer dans le film puis s'y accroche à cause de Joe. Elle est magique.

L'image qui rappelle tant les GOONIES...

J'aime ce tableau dans lequel, pour la première fois, Charles est exclu, au fond, et c'est Joe qui s'empare de la caméra pour filmer les militaires. Le groupe reste néanmoins soudé. J'aime aussi que, avant de commencer le tournage, au début du film, ils chantent tous, ensemble My Sharona de The Knack.

super 8 (suite)

2011-12-14T08:00:00.000+01:00

Le jeune Joel Courtney est la révélation de ce film, tant par sa fraîcheur que par sa capacité à faire évoluer son personnage qui passe d'un garçon timide, seul, ne vivant que pour ses maquettes et ne communiquant plus avec son père, et sous la houlette sympathique mais réelle de son ami Charles, au héros de la dernière partie qui mène la bande, s'oppose à Charles et finit de séduire la belle Alice.

super 8

2011-12-13T08:00:00.000+01:00

SUPER 8 a été écrit et réalisé par J. J. Abrams juste après son STAR TREK. Ce n'est pas un hasard car le film nous plonge dans une période familière au réalisateur qui, parce né en 1966, avait l'âge de ses héros à l'été 1979. Il a voulu faire un film qui soit dans l'esprit de ceux de Spielberg, des films comme E.T., CLOSE ENCOUNTERS..., mais aussi les GOONIES, la référence essentielle du film.

On a donc une bande dépareillée de jeunes garçons de douze ans qui tournent un film de zombies en super 8 et qui, à l'occasion de l'intrusion d'une fille dans la bande, assistent au déraillement de nuit d'un train dont les conséquences vont changer leur vie et celle de leur petite ville. Les comparaisons sont faciles : alors qu'Elliott vivait avec sa mère divorcée, Joseph vit avec son père suite au décès accidentel de sa mère ; les gamins circulent tous en bicross et, au final, Joseph finira par établir une relation de communication qui permettra à l'alien de rentrer chez lui. Le film vaut surtout, comme chez Spielberg, dans sa manière de filmer les enfants à leur hauteur. En particulier, la construction des sentiments entre Joe et la jeune Alice est particulièrement sobre et réussie. En revanche, je trouve qu'Abrams abuse toujours de certains effets lumineux. Un sacré bon film néanmoins.

le parrain (5)

2011-12-12T08:00:00.000+01:00

Tout en haut, l'enfant baptisé est "joué" par Sofia Coppola alors âgée de seulement trois mois !

le parrain (4)

2011-12-11T08:00:00.000+01:00

le parrain (3)

2011-12-10T08:00:00.000+01:00

L'épisode sicilien est indispensable pour comprendre la métamorphose de Michael qui avait déjà débuté lors de la séquence de l'hôpital. Il démarre d'ailleurs par un très beau mouvement de caméra qui laisse croire à un retour en arrière (ce que fera le film suivant) mais qui déjoue les attentes. La première femme de Michael, Apollonia est interprété par Simonetta Stefanelli, la mère de l'actrice Violante Placido.

le parrain (2)

2011-12-09T08:00:00.000+01:00

Deux choses à propos de ces images toutes fameuses du deuxième grand volet, après celui du mariage. Je passe sur la tête de cheval qui a, néanmoins, contribué à immortaliser la réplique sur la proposition-qu'on-ne-peut-pas-refuser, pour parler de ce plan où Vito achète des fruits. En effet, on aperçoit derrière lui une affiche annonçant un combat de Jake La Motta. Or, Robert de Niro, qui sera Vito jeune dans la suite du film, interprètera le rôle du boxeur en 1980 dans le RAGING BULL de Scorcese !

Il y a ensuite cette réplique à propos de Luca Brasi (Lenny Montana) que j'ai tenu à conserver en sous-titre et qui est depuis devenue fameuse en étant citée dans The Sopranos. A noter que dans la série, justement, la boîte de strip-tease de Tony Soprano s'appelle The Bada-Bing! en référence à une réplique de James Caan dans le film.

le parrain (1)

2011-12-08T08:00:00.000+01:00

Marlon Brando n'avait que 47 ans quand il joua le rôle de Don Vito Corleone. Sa performance m'a rappelé, en ce sens, celle de John Wayne dans SHE WORE A YELLOW RIBBON. Son oscar était amplement mérité tant il fait montre d'une précision, d'une retenue et d'une maestria qui laisse sans voix. Je ne peux m'empêcher de me souvenir de la scène où il meurt en jouant avec son petit fils. Les grimaces qu'il fait et sa manière de marcher sont ahurissantes de vérité. C'était un géant.

Richard Conte que j'avais découvert dans TONY ROME et THE LADY IN CEMENT, tous deux films mettant en scène Francis Albert Sinatra, jouait là son ultime film étatsunien avant d'aller finir sa carrière en Europe comme dans le BIG GUNS de Duccio Tessari.

James Caan avait été dirigé par Coppola dans THE RAIN PEOPLE en 1969, avec Robert Duvall.

Al Martino joue Johnny Fontaine, le chanteur/acteur venu au mariage de la fille de Corléone pour lui demander son aide pour obtenir un rôle dans un film afin de relancer sa carrière. Plus tard on le retrouvera à Las Vegas quand Michael lui demandera de jouer dans son casino. Le parallèle avec Sinatra est absolument explicite.

Diane Keaton est resplendissante; Elle n'avait que 25 ans et vivait avec Woody Allen avec qui elle venait de tourner PLAY IT AGAIN, SAM.

le parrain

2011-12-07T09:00:00.000+01:00

MARIO PUZO'S THE GODFATHER a été réalisé en 1972 par Francis Ford Coppola sur un scénario coécrit avec Mario Puzo et adaptant son roman. Ils reçurent l'oscar de la meilleure adaptation pour leur travail. Le film, lui, obtint l'oscar du meilleur film et Marlon Brando celui du meilleur acteur.

N'ayant pas (encore ?) cédé aux sirène du blu-ray j'ai redécouvert ce classique dans le format dvd remastérisé sous le contrôle de Coppola lui-même. En revanche, pour ne pas être influencé dans ma vision, je n'ai pas opté pour le commentaire qu'il a aussi fait et je me réserve ça pour une autre fois.

J'ai choisi de faire une introduction brève de façon à ménager les billets suivants qui porteront, à tour de rôle, sur des moments clés du film qui fait près de trois heures que l'on ne voit pas passer.

wolfen (fin)

2011-12-06T09:00:00.000+01:00

wolfen (4)

2011-12-05T09:00:00.000+01:00

Les effets spéciaux, visuels comme sonores couplés à la musique rendent très efficace la partie du film dans laquelle on ne voit pas les loups, renouant ainsi avec une vieille tradition du film d'horreur basé sur les ambiances. A noter la présence, parmi les victimes, du grand, au sens propre comme figuré, Tom Noonan, l'un de mes seconds rôles favoris.

wolfen (3)

2011-12-04T09:00:00.000+01:00

wolfen (2)

2011-12-03T09:00:00.000+01:00

Le souci du détail du documentariste est sensible dans la séquence de la morgue où la caméra de Wadleigh se promène un peu partout avec une curiosité assez morbide et d'une manière qui nous semble bien éloignée du glamour high tech qui entoure désormais ce lieu familier aux habitués de films/séries policières.

La salle de contrôle de l'officine ESS qui a des moyens que n'a pas la police newyorkaise, mais dont le patron est à tu et à toi avec le Maire et le Commissaire de police. C'est curieux d'observer combien le film insiste sur cet écart existant entre les moyens des flics du NYPD (de pauvres tableaux et une pathétique machine à écrire) et ceux de cette société.

L'affichette (qui existe aujourd'hui encore en autocollant à coller derrière sa voiture) porte le slogan de la National Rifle Association, le lobby des armes à feu longtemps incarné par Charlton Heston.

Le chat qui fait bondir Diane Venora dans une scène. J'avais en son temps sursauté aussi mais là je l'ai vu venir à la seconde près. Reste que j'aime bien l'idée que son personnage ait un chat.

wolfen (1)

2011-12-02T09:00:00.000+01:00

Albert Finney, Gregory Hines, Diane Venora, Dick O'Neill, James Tolkan, Edward James Olmos...

wolfen

2011-12-01T09:00:00.000+01:00

WOLFEN est l'unique film de fiction réalisé en 1981 par le documentariste Michael Wadleigh d'après un scénario qu'il avait coécrit avec David Eyre. Ce fut, en son temps, un de mes chocs audio-visuels fondateurs d'une certaine partie de ma cinéphilie orientée vers la fantaisie, le fantastique et la science-fiction. La musique de James Horner, les effets spéciaux, les mouvements de caméra hallucinants (permis par la steadycam et la louma), sans oublier l'interprétation, tout a alors contribué à faire de ce film un classique du genre et l'un des films qui ne m'a jamais quitté. Cela faisait des années que je ne l'avais pas revu et quoique une grande partie me soit revenue au fur et à mesure avec cette familiarité proustienne attachée aux madeleines cinéphiliques, j'ai aussi redécouvert bien des aspects qui m'avaient échappé en leur temps.

Le premier d'entre eux est bien sûr la distribution ! On a donc un flic défraîchi joué par Albert Finney à qui l'on confie une enquête délicate alors qu'il semble se traîner autant de casseroles qu'un camelot de foire. Cela dit, en parallèle, une officine privée dotée de moyens high tech, enquête aussi, en une collusion mystérieuse politico-fiancière. Finney travaille avec un légiste joué par Gregory Hines et une psychologue interprétée par la jeune Diane Venora. Mais il y a mieux ! Chemin faisant, il se fait renseigner par un expert joué par James Tolkan, puis par un zoologiste joué par le génial Tom Noonan. Plus tard on découvre son suspect principal, un ancien activiste amérindien joué par un méconnaissable Edward James Olmos !

L'autre aspect qui m'avait échappé est la géographie du film qui se déroule dans deux parties séparées de New York par un pont sur lequel, justement, travaillent les Indiens qui n'ont pas le vertige. Côté pile, au début du film et à la fin, on a le quartier riche de Wall Street et Battery Park, symbolisant les Puissants et cette facette est sursoulignée tout au long du film par une floppée de plans dans lesquels on retrouve les tours jumelles du WTC. Côté face, on a le Bronx dévasté par l'abandon des politiques, une sorte de zone de guerre dans laquelle se sont réfugiés les loups. En particulier, l'église qui leur sert d'antre, est située dans Charlotte Street. C'est Sunnyslope, un édifice bâti vers 1860 qui deviendra un monument historique en 1983. En 1977, suite à une visite inopinée dans le quartier du président Carter celui-ci lança un vaste programme de rénovation urbaine qui a depuis porté ses fruits. Le film est donc un témoignage historique.

Dernier aspect, la question amérindienne qui, si elle n'est pas traitée de front et dans toute sa complexité (on a l'impression qu'il n'y a qu'une nation indienne !) a au moins le mérite de la mettre au devant de l'intrigue. La réplique de Wilson à ce sujet est intéressante :

"You know anything about NAM ?

– As in Viêt ?

– As in Native American Movement, broken elbow, wounded knee…"

C'est une référence indirecte à l'AIM et aux actions de 1973 qui étaient encore fraîches dans les esprits de l'époque mais qui me passèrent largement au dessus de la tête vu que j'avais alors quatorze ans et une acné ravageuse.

la femme modèle (fin)

2011-11-30T08:00:00.000+01:00

La comédie est aussi psychédélique comme dans ce plan censé illustrer le monde tel que le voit Mike avec sa gueule de bois carabinée le lendemain de sa folle nuit de beuverie californienne.

Marilla rassemblant les restes de la photographie déchirée par Mike...

La grimace de Mike alors que Lori vient de renverser sur son entrejambe son assiette de raviolis...

Marilla explosant en plein match de boxe. Curieusement, cette crise d'hystérie passe inaperçue !

Réminiscence des raviolis, Mike se lève en se protégeant au cas où Lori aurait un mouvement brusque.

Marilla superposant mentalement le corps de Lori en train de répéter avec le souvenir des morceaux de la photo sur le tapis de l'ancien appartement de Mike. L'effet est très réussi.

Johnnie 'O' donnant ses ultimes instructions à Mike : du pur burlesque.

Maxie dormant les yeux ouverts. On reverra plus tard ce plan hallucinant...

C'est à 1h23'23'' qu'on voit Maxie lire le n°103 de février 1953 de Tom and Jerry...

la femme modèle (encore)

2011-11-29T08:00:00.000+01:00

Car le film est aussi romantique. Bon, comme c'est en 1957 et c'est Minelli on ne les verra pas dans une chambre, ensemble (sauf quand Mike fait ses bagages) et ce mordillement d'oreille est le comble de l'érotisme du film mais ça fait quand même l'affaire. Et puis il y a la musique d'André Prévin.

la femme modèle (suite)

2011-11-28T08:00:00.000+01:00

Dolores Gray est Lori Shannon, la femme d'avant, celle dont Mike n'ose parler et dont il déchire la photo mais en oubliant des morceaux sous un meuble. Formidable show girl !

Tom Helmore est Zachary Wilde, l'amoureux transi de Marilla, producteur de la comédie musicale qui va réunir les deux femmes de Mike. Il va finir par séduire Lori sous de faux prétextes.

Mickey Shaughnessy est Maxie Schultz, le boxeur qui a pris trop de coups et est donc, depuis, assez bas de plafond. La scène où on découvre qu'il dort les yeux ouverts est un grand moment.

Edward Platt est le sémillant Martin J. Daylor, organisateur de matchs truqués, truand.

Les amis journalistes de Mike lors de leur partie de poker hebdomadaire...

Jack Cole est Randy, le chorégraphe de la comédie musicale. C'est lui qui a mis en scène tous les numéros musicaux. Il fut le chorégraphe de GILDA et de GENTLEMEN PREFER BLONDES. La séquence où il intervient dans la bagarre de rue, comme un artiste martial chinois, en utilisant ses dons de danseur est une pure merveille.

Chuck Connors est Johnnie 'O', ex-boxeur et vrai truand. Une gueule inoubliable.

L'épatant Sam Levene est Ned Hammerstein le patron de Mike qui ne fait pas dans le sentiment.

la femme modèle

2011-11-27T08:00:00.000+01:00

DESIGNING WOMAN est réalisé en 1956 par Vincente Minelli et écrit par George Welles qui recevra l'oscar du meilleur scénario pour le film. Le titre français de du film ne lui rend pas justice car cette "femme modèle" n'a rien à voir avec le personnage joué avec une classe incroyable par Lauren Bacall. En effet, celle-ci est une créatrice de mode qui dessine des robes, une designing woman donc.

Mis en scène un an après le mélo magnifique TEA AND SYMPATHY (sur lequel avait déjà travaillé le chef-op John Alton), le film est une comédie luxueuse portant la marque MGM et filmée comme une comédie musicale mais avec Gregory Peck ! La direction artistique parle d'elle-même : E. Preston Ames avait travailléavec Minelli sur AN AMERICAN IN PARIS, BRIGADOON et THE BAND WAGON, tandis que William A. Horning travaillera sur NORTH BY NORTHWEST.

Le duo Bacall-Peck aurait dû initialement être formé par Grace Kelly et James Stewart, mais le mariage princier de la blonde froide dissuada Stewart de rester sur le projet, ce qu'il regretta ensuite. Cela aurait donné un tout autre film, moins intéressant selon moi car Peck est formidable en journaliste sportif et Bacall sophistiquée à souhait.

Le décalage entre les deux mondes qui se percutent une fois que les tourtereaux californiens reviennent à New York est bien visible ici. On aperçoit, à la table de poker, l'équipe d'amis journalistes de Mike, tandis qu'en arrière plan, on distingue la troupe d'artistes impliqués dans la future comédie musicale. Et, au premier plan, au lieu des sandwichs au fromage et au salami, une préparation haute cuisine qui consterne Mike.

Une des raisons qui rend ce film irrésistible est la manière dont Welles l'a écrit, donnant à voir le point de vue des personnages, y compris dans leur for intérieur, comme des apartés théâtraux. Le film est en fait, selon moi, un hommage amoureux aux comédies de Broadway pour lesquelles, et je pense bien sûr à THE BAND WAGON, Minelli a toujours eu un faible.

On ne peut, enfin, qu'admirer la performance de Lauren Bacall et louer cette femme amoureuse quand on sait que, alors qu'elle tournait ce film, Humphrey Bogart, l'homme de sa vie, se battait contre le cancer de la gorge qui l'emporta en janvier 1957, quelques mois avant la sortie du film. Elle avait 19 ans quand elle le rencontra sur le tournage de TO HAVE AND HAVE NOT, et 24 quand elle l'épousa en 1945.

l'extravagant docteur dolittle (suite)

2011-11-26T08:00:00.000+01:00

l'extravagant docteur dolittle

2011-11-25T08:00:00.000+01:00

J'ai revu DOCTOR DOLITTLE réalisé en 1967 par Richard Fleischer juste après FANTASTIC VOYAGE (belle ironie vu que le film raconte aussi un fantastique voyage !) et avant THE BOSTON STRANGLER. Je pense que je ne l'avais pas revu depuis bien des années car j'ai réalisé, au fur et à mesure, que je ne me souvenais de rien, sinon de ce même plaisir nostalgique attaché à ces rares films attachés à mon enfance. De fait, j'ai eu l'impression d'être un après-midi de vacances de fin d'année, à regarder un film à la télévision allongé sur le tapis. C'était comme revoir MARY POPPINS, un autre de mes plaisirs coupables qui partage bien des aspects, notamment le fait de comporter plusieurs numéros chantés (mis en musique par l'auteur, Leslie Bricusse, et dirigés par Herbert Ross). Mais j'ai découvert que par delà la comédie pour enfants à la Roald Dahl, le conte picaresque gentiment absurde dénaturé par le film avec Eddie Murphy était aussi un film avec plusieurs messages assez conséquents. Il y est ainsi question de la nécessité d'être végétarien pour respecter les animaux (avec cette réplique chantée qui laisse songeur, "A reluctant but sincere vegetarian, am I...") de traiter humainement lesdits animaux ; mais plus curieusement encore, il y est question, indirectement et implicitement, de critique du colonialisme et de l'impérialisme culturel à travers cette peuplade vivant sur la mystérieuse île dérivante et qui sont tous plus cultivés que des Occidentaux, sont régis par un roi appelé William Shakespeare le dixième du nom et sont surpris de rencontrer des Blancs qui n'essaient pas immédiatement de les tuer ! Rajoutez à cela une quête pur un animal mythique (un deuxième après le lama à deux têtes et avant le papillon lunaire), l'escargot des mers géant, une idée que reprendra des années plus tard Wes Anderson dans THE LIFE AQUATIC WITH STEVE ZISSOU.

Et puis bien sûr, il y a la distribution, à commencer par le très grand Rex Harrison qui, à 58 ans, faisait montre d'une énergie juvénile communicative. Cette année-là il tourna aussi THE HONEY POT de Mankiewicz.

A ses côtés, Anthony Newley est Matthew Mugg, le Ned Land irlandais de Dolittle et son Dr Watson aussi car il est aussi le publicitaire officiel de la geste dolittienne. Il est formidable, surtout dans les numéros chantés, et l'on ne peut que regretter que ce ne soit pas de lui qu'Emma tombe amoureuse.

Il y a aussi le jeune William Dix dans le rôle de Tommy Stubbins, un exubérant Richard Attenborough en directeur de cirque, et la voix de Ginny Tyler dans le rôle de Miss Polynesia.

Mais bien sûr, celle qui illumine le film par sa beauté rousse c'est Samantha Eggar dans le rôle d'Emma qui resplendit même si c'est Diana Lee qui la double au chant.

Pour les jamesbondophiles : Geoffrey Holder fut le Baron Samedi de TO LIVE AND LET DIE.

Et je ne voudrais pas oublier de vous conseiller le générique animé du film de Don Record.

le piège (suite)

2011-11-24T08:00:00.000+01:00

Harry Andrews fumant des Gitanes françaises (comme mon père quand il fumait encore) ; le détail n'est pas qu'anecdotique puisqu'on apprend plus tard qu'il était en France dans la Résistance où il a rencontré sa femme. Paul Newman se moquant de l'inspecteur qui l'interroge. Ian Bannen en pyjamas. Jenny Rudacre et son accent afrikaner. Dominique Sanda en maillot. James Mason en traître so british. Newman en espion tous terrains...

ps : les vers d'Edmund Spenser de 1590 que citent Slade sont : "Sleep after toil, port after stormy seas, ease after war, death after life does greatly please."

le piège

2011-11-23T13:30:00.000+01:00

"Oh, kiss my ass colonel Blimp !"

Or donc, bien avant Jason Bourne, et à côté de James Bond et d'Harry Palmer (et je n'oublie pas Quiller !), il y avait un autre espion qui manquait à mon palmarés dans la catégorie des types cool (et sans tomber dans la parodie type Flint ou OSS117). C'est chose faite maintenant que j'ai découvert Joseph Rearden (mais on ne saura jamais son véritable nom), le héros de THE MACKINTOSH MAN (Le piège), le film de John Huston réalisé en 1973 sur un scénario de Walter Hill. Rearden est interprété par Paul Newman avec une élégance, une détermination et une efficacité (son évasion du manoir et son pilotage sur la lande) qui en font, désormais, l'un de mes héros préférés et le précurseur, justement, de Jason Bourne qui lui a tout piqué ! Rearden est un agent britannique (joué par un Etatsunien) se faisant passer pour un Australien voleur de diamants afin de se faire emprisonner pour ensuite mieux s'évader et ainsi démanteler un réseau qui fait, justement, évader des gens ("scraperers"). Il est engagé par MacKintosh (Harry Andrews, le sergent psychopathe de THE HILL) qui travaille avec sa fille, Mrs Smith (Dominique Sanda).

Il 'sévade donc avec un espion communiste (joué par Ian Bannen, un an après THE OFFENCE) et se retrouve prisonnier d'un manoir en Irlande d'où il finit par s'évader quand sa couverture est compromise; Suite à l'assassinat de son patron, il part à Malte avec Mrs Smith pour retrouver l'espion et démasquer la traitrise de Sir George Wheeler (James Mason qui rejouera avec Newman en 1982 dans THE VERDICT). Le dénouement, inattendu, s'achève en queue de poisson, nous surprenant agréablement. On est presque dans un roman de LeCarré et c'est avec délectation qu'on en profite.

balade newyorkaise

2011-11-16T08:00:00.000+01:00

Petite interruption pour quelques jours, à bientôt !

le coup de l'escalier (fin)

2011-11-15T07:00:00.000+01:00

Le casse qui est pourtant au coeur de l'intrigue n'en occupe qu'une infime partie, ramassée en quelques dizaine de minutes nerveuses et sèches. Le travail de la monteuse, Dede Allen est à souligner ici, tout comme le fait que Wise avait commencé à la RKO comme monteur avant de passer à la mise en scène.

Je m'en voudrais aussi d'oublier le troisième homme, l'ancien flic qui veut s'offrir une retraite confortable en engageant deux petites frappes pour l'aider à faire le coup parfait et qui, parce qu'il n'a pas su empêcher leurs inimitiés raciales prendre le dessus, fera les frais, le premier, de l'échec du casse. Il est interprété par Ed Begley que l'on retrouvera, par exemple, en Texan halluciné dans BILLION DOLLAR BRAIN.

le coup de l'escalier (encore)

2011-11-14T07:00:00.000+01:00

Robert Ryan est Earle Slatter, un homme déjà vieux et qui a toujours tout raté et passé sa vie à fuir ses échecs par refus de l'autorité et en raison d'un tempérament trop colérique qui lui a, on s'en doute, plus que joué des tours par le passé, le poussant même à tuer un homme parce qu'il l'avait insulté.

C'est un séducteur (avec Gloria Grahame à qui il va baiser la main), mais aussi un amant maladroit (avec Shelley WInters), un raciste venu de l'Oklahoma profond et qui a cette réplique lourde de conséquences : "You didn't say anything about the third man being a nigger..."

C'est sa haine de Johnny Ingram qui va précipiter le casse en désastre et les conduire au final pyrotechnique. Ryan donne à son personnage une épaisseur et une humanité sans parvenir à nous le rendre sympathique, sauf peut-être quand il décide de ne pas tuer le lièvre. Et encore.

le coup de l'escalier (et encore)

2011-11-13T07:00:00.000+01:00

Le film n'existerait pas sans la détermination d'Harry Belafonte, l'autre acteur noir, avec Sidney Poitier, de ces années 50 d'avant la lutte pour les droits civiques et durant lesquelles chaque coup de canif à la mentalité raciste était la bienvenue. Mais on est tout de même dans un film noir et le personnage du crooner, joueur et séducteur invétéré, malchanceux mais portant bien qu'il interprète ne parvient pas non plus à nous être sympathique tant il semble ne calculer que son apparence et ce qu'il peut en retirer. De fait, alors qu'il passe l'après-midi au parc avec sa fille, il n'hésite pas à la laisser auprès d'inconnus pour passer des coups de téléphone en rapport avec l'affaire...

le coup de l'escalier (suite)

2011-11-12T07:00:00.000+01:00

Magnifiquement photographiée par Joseph C. Brun, New-York est un personnage à part entière du film. C'est là que vivent et évoluent ses protagonistes, comme englués dans une toile d'araignée géante.

Melton est la petite ville de province par excellence, avec sa grande rue principale et ses commerces. Mais alors que les New-Yorkais pensaient que c'était du tout cuit, l'efficacité et la rapidité de ses habitants et de sa police vont leur être fatals. C'est la vengeance du western sur le film noir.

le coup de l'escalier

2011-11-11T07:00:00.000+01:00

ODDS AGAINST TOMORROW (Le coup de l'escalier) est réalisé en 1959 par Robert Wise sur un scénario d'Abraham Polonsky et de Nelson Gidding. Le film fut produit par Wise et par Harry Belafonte qui choisit lui-même Polonsky pour l'écrire, mais comme il avait été blacklisté ce fut le nom de John O. Killens, un écrivain noir ami de Belafonte qui apparut au générique original. C'est le premier film noir mettant un personnage de noir au premier plan. La même année était aussi sorti THE WORLD, THE FLESH AND THE DEVIL de Ranald MacDougall dans lequel Belafonte tenait aussi un rôle déterminant mais c'était un film de science-fiction. Alors qu'il est l'archétype des films de casse foireux, celui que Jean-Pierre Melville se targuait d'avoir vu 120 fois et dont on retrouve la trace dans ses meilleurs films, c'est avant tout un film sur la préparation, la maturation, la mise en place et l'attente précédant le casse proprement dit. Et c'est pourtant un film à la mise en scène résolument moderne, sans fondu-enchaîné ni fondu au noir, comme l'explique très bien Roland Lacourbe dans "L'enfer est à eux", le documentaire en bonus sur l'édition Wild Side, et qui donne aussi la parole à Daniele Grivel, l'autre auteur du Robert Wise paru en 1985 chez Edilig.

l'homme des hautes plaines (suite)

2011-11-10T07:00:00.000+01:00

Clint Eastwood réalise HIGH PLAINS DRIFTER après JOE KIDD et juste avant BREEZY. On verra d'ailleurs dans une scène de ce dernier l'affiche d'HIGH PLAINS DRIFTER...

Il obtint des studios qu'on construise ex nihilo la ville de Lago près du Mono Lake en Californie, dans ce cadre si atypique pour un western qui du coup sent l'iode.

Il y a cette réplique que je trouve magnifique : "You're gonna look awfully silly with that knife sticking up your ass."

Pour la petite histoire, il paraît qu'après le film il avait écrit à John Wayne pour lui proposer de faire un film avec lui. Le Duke lui aurait répondu par une lettre ulcérée dans laquelle il l'accusait d'avoir un film obscène car trop violent et dépeignant un Ouest qui ne ressemblait pas au sien. Eastwood ne lui répondit pas et ils ne travaillèrent donc pas ensemble.

l'homme des hautes plaines

2011-11-09T07:00:00.000+01:00

HIGH PLAINS DRIFTER est réalisé en1973 par Clint Eastwood sur un scénario d'Ernest Tidyman et Dean Riesner.

Ernest Tidyman est aussi le scénariste de FRENCH CONNECTION. Quant à la musique, flippante à souhait, elle a été composée par Dee Barton, celui qui oeuvra sur PLAY MISTY FOR ME.

Le très bon Billy Curtis dans le rôle de Mordecai qui va pour un temps devenir shériff/maire.

La Jézabel de Lago, Callie Travers est jouée toute en hystérie par Marianna Hill qui jouera ensuite Deanna Corleone dans la seconde partie de THE GODFATHER.

Une partie des notables de Lago, dont Walter Barnes en shériff pleutre...

Eastwood a fait appel à son ami Buddy Van Horn pour jouer le rôle du marshall ; celui-ci le dirigera à son tour dans ANY WICH WAY TOU CAN, THE DEAD POOL et PINK CADILLAC.

Geoffrey Lewis

Dan Vadis

Anthony James

Et lui, l'aviez-vous reconnu ? Non ? C'est Richard Bull dans le rôle d'Asa Goodwin, le croque-mort. Il passera à la postérité en incarnant l'épicier Nels Olson dans Little House on the Prairie.

caught (suite)

2011-11-08T07:00:00.000+01:00

Mais heureusement elle rencontre le docteur Quinada joué par l'excellent James Mason qui va l'engager comme secrétaire médicale après qu'elle ait quitté son mari et repris son nom de jeune fille.

Mais Ohrig, qui a besoin de s'afficher avec sa femme pour sa publicité, la persuade habilement de revenir auprès de lui, jurant qu'il a changé et qu'il va faire autrement. Le fossé entre le cynisme de cet homme capricieux qui refuse d'accepter de perdre ce qu'il s'est payé et l'amour candide de cette femme est bouleversant même si on n'est pas dans un mélodrame de Sirk.

J'aime beaucoup ce plan de Mason soignant un enfant, aidé par Bel Geddes, car leur proximité est quasi amoureuse et en dit beaucoup plus sur leurs sentiments naissants et aussi la transformation en femme de l'ingénue du début.

La séquence du dancing est assez typique d'Ophüls dont la caméra suit le couple traverser la foule et danser comme si elle était un autre danseur. Ce travelling, ainsi que celui, plus tôt, quand Mason est en colère et traverse le cabinet, est symptomatique de la passion du mouvement du réalisateur qui se fera davantage plaisir quand il reviendra en France. Le documentaire, Max Ophüls ou la ronde, réalisé par Michel Mitrani en 1965 dans le cadre de Cinéastes de notre temps de Janine Bazin et André S. Labarthe, malgré sa qualité d'image médiocre, est en bonus sur l'édition dvd de Wild Side et permet de mieux apprécier cet aspect de sa mise en scène.

Et puis il y a aussi Frank Fergusson qui joue le docteur Hoffman, l'associé de Quinada. Il est indispensable à leur équilibre, ne serait-ce que parce qu'il est obstétricien et que Quinada est pédiatre. C'est aussi lui qui va devenir le médecin de Leonora quand elle va comprendre qu'elle est enceinte.

caught

2011-11-07T07:00:00.000+01:00

CAUGHT (Pris au piège) est réalisé en 1949 par Max Ophüls sur un scénario d'Arthur Laurents. C'est l'un des quatre films qu'il réalisa à Hollywood lors de son séjour entre 1941 et 1950 avec THE EXILE, LETTER FROM AN UNKNOWN WOMAN et RECKLESS MOMENT.

Il met en scène une jeune fille qui rêve de devenir mannequin pour ensuite rencontrer et épouser un homme riche. L'ingénue est jouée par Barbara Bel Geddes, ici harponnée par l'homme à tout faire de Smith Ohrig, Franzi Kartos joué par Curt Bois.

Smith Ohrig, dont le personnage fut inspiré par Howard Hughes, est interprété par Robert Ryan.

L'impact médiatique de ce mariage est montré en une série de coupures de presse qui renvoie au magazine feuilleté au début par Leonora et Maxine et qui montre que l'attrait des "people", la dictature des mannequins et la retouche des images ne datent pas d'internet et de photoshop...

Mais très vite Leonora comprend qu'elle n'est qu'un objet de plus, un accessoire que Smith s'est payé.

Intéressante mise en abime : le cinéma filme une projection de cinéma privée dans le salon d'Ohrig.